par Ingrid Braam et Roel Hijink
(traduit du neerlandais par Google Translate)

Bouchaïb Dihaj:

« Mon travail est plus une question, pas tellement de réponse »

Un peintre pur sang

« Quand je peins je suis heureux »

Contre le mur blanc sur le sol dans l’atelier de Boukhaib Dihaj est un tableau d’environ 150 x 120 cm. Directement dans l’œil, deux formes sphériques roses tout aussi grandes sautent l’une au-dessus de l’autre au milieu de la toile. Ils sont divisés en segments par des lignes brun foncé plus épaisses et plus minces, comme la surface d’une orange tranchée. Chaque pièce diffère légèrement de la nuance de couleur – rose clair, rose foncé, rose rouge – le tout avec un sous-ton brunâtre-la-cuisse. Certains segments sont brun vert avec des contours vert foncé. Ici et il y a des accents blancs. Une sphère blanche à moitié brillante apparaît derrière la sphère supérieure. L’ensemble semble organique. Ainsi que le fond sur lequel sont placées les formes sphériques; une sorte de réseau de lignes fragiles et robustes, droites et courbes sur une surface en gris, vert et brun. De la sphère supérieure, un «tube» étroit et étroit et étroit «tube» descend de chaque côté. Sur cette sphère se trouve une mince structure en forme de tube dans le même gris-blanc transparent. Ce que représente exactement la peinture est difficile à deviner. Pas plus qu’il n’est clair ce que les autres peintures de Dihaj des deux dernières années représentent. Les œuvres ont pris naissance à la suite de sa profonde chirurgie pulmonaire qu’il a subie il y a quelques années. Ils sont situés à la frontière entre abstraction et figuration. Certaines toiles évoquent l’effet hallucinatoire des photos microscopiques. Les peintures respirent principalement une certaine atmosphère, quelque peu surréaliste et mystérieuse. La palette de couleurs dans laquelle les gris trempés, les bruns et les verts dominent, contribue de manière significative à cette inscrutabilité. Même les parties légères ne deviennent généralement pas plus brillantes que le gris-blanc. Le manque de couleurs pures est caractéristique de la palette Dihaj. Seuls quelques accents blancs et jaunes brillants se distinguent parfois par les couleurs de la terre.

Dihaj travaille sans idée préconçue. À la racine de son travail est une coïncidence « dirigée ». Il travaille en série avec 3 à 4 tableaux sur lesquels il commence en même temps et qu’il traite ensuite individuellement. Ce qui ressort immédiatement, c’est l’énergie qui jaillit des tissus. Les peintures possèdent une vitalité attrayante; comme si un développement, une transition ou une métamorphose se produisait réellement. Ce geste de peinture puissant reflète l’envie intérieure de Dihaj de peindre et l’énorme plaisir que cela le crée en tant que peintre pur chantait. Mais il ne s’agit pas seulement de peindre du plaisir à Dihaj. Il considère que la peinture est intemporelle et transfrontalière et que, pour cette raison, la peinture a une signification beaucoup plus profonde et plus large pour lui.

La grande taille des toiles améliore l’aspect dynamique des œuvres. Dihaj aime utiliser des tissus de grande taille parce qu’il se sent à l’aise avec cela, aussi physiquement. L’expérience visuelle énergétique suggère que la performance a été peinte sur la toile à la fois, mais rien ne pourrait être plus éloigné de la vérité. Toutes les œuvres sont peintes, parfois avec de multiples couches de peinture et dans des couleurs très différentes de celles de l’original. Ses peintures significatives obtiennent aussi littéralement une superposition. La construction des couches de peinture témoigne de la recherche constante de perfectionner les couleurs pour exprimer ce qui vit en lui.

Dihaj a suivi l’Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Casablanca, selon lui une copie de l’école d’art française. Des techniques d’art telles que l’anatomie, la perspective, le plan et la théorie de la forme et de la couleur prévalaient. En quête de liberté artistique, il part pour les Pays-Bas avec une foire marocaine. Il a constaté que la liberté à l’Académie d’art et d’industrie d’Enschede (AKI), qui était à l’époque le directeur de Joop Hardy en tant qu’académie d’art la plus libre et la plus bizarre des Pays-Bas. Le talent organisationnel « léger et anarchique » de Hardy dans une atmosphère de démocratie, d’ouverture et de liberté de choix a ouvert la voie à la spontanéité « intelligente », à la fantaisie et à l’improvisation. Les idées de Hardy sont encore douces Dihaj. À l’AKI, beaucoup d’attention a été accordée à l’art et aux points de vue culturels et, comme il le dit lui-même, l’orientation internationale a été une ouverture sur le monde pour lui. À Enschede, Dihaj a trouvé un monde de peinture qui l’a attiré fortement. En tant que peintre, ils étaient des enseignants (invités) tels que Alphons Freijmuth, Reinier Lucassen, Theo Wolvecamp et Henk Visch qui l’ont formé dans une large mesure.

Dans lequel Dihaj a suivi ses professeurs, c’était l’excrétion du ballast académique convaincant. Lucassen et Freijmuth ont tous deux été appelés la nouvelle figuration au début des années 80. À une époque où la fin de la peinture était inaugurée, ils cherchaient des opportunités pour un nouveau tableau qui rendait justice à l’ancien. C’était une tentative de poursuivre une tradition picturale importante. Georg Baselitz avait déjà lancé une nouvelle peinture figurative en 1960. Il sera plus tard affecté à la première génération de la Neue Wilde qui a fourni une renaissance mondiale de la peinture au début des années 80. Pour les peintres de la Nouvelle Figuration, le point de départ était une idée ou un thème qui est toujours élaboré de différentes manières avec des images figuratives. Le sujet était la curieuse relation entre l’image et l’objet représenté, entre l’art et la réalité. La réalité des créations irréelles, la vie abstraite des représentations réalistes. Pour Lucassen et Freijmuth, René Margritte, qui a soutenu que la figuration est aussi une abstraction, était une source d’inspiration.

La prémisse de la Nouvelle Figuration selon Freijmuth – la représentation d’idées abstraites à travers des éléments figuratifs – semble s’appliquer aux peintures de Dihaj. De même sur celle de Dihaj admirait René Daniëls qui est considéré comme l’héritier de la Nouvelle Figuration. Daniels utilise des éléments figuratifs pour sa recherche fondamentale sur la peinture. La peinture doit être aussi spontanée que possible, pour se détacher et peindre beaucoup, selon Daniëls. Dans le travail du regretté artiste Cobra Wolvecamp, Dihaj voit la liberté de peindre, mais il doit aussi se reconnaître dans son processus de travail. Bien que l’œuvre de Wolvecamp semble spontanément peinte, la création est un long processus d’élimination, d’ajout et de changement. Les peintures de Dihaj semblent aussi spontanément créées mais sont en réalité le résultat d’un long processus de travail. Quand il s’agit de l’explication de son travail, c’est Visch qui lui écrile. C’est-à-dire son explication mystérieuse des choses, selon les mots de Dihaj. C’est une approche de l’art où Dihaj préfère laisser parler le mystère de l’image que de l’expliquer lui-même.

Comme le dit Dihaj, il s’est réveillé à Enschede et s’est développé plus loin aux arts visuels Rijksakademie van à Amsterdam. Il a utilisé toutes les connaissances et les compétences qu’il avait apprises à Casablanca et à Enschede pour trouver sa propre méthode de travail et un langage visuel principalement abstrait. Au cours de ses années académiques, il a fait connaissance avec des peintres tels que Gerhard Richter, Jörg Immendorff, Sigmar Polke et Markus Lüpertz qui l’influencent autant qu’un peintre. Lüpertz en particulier, parce que Dihaj voit vraiment une œuvre de Lüpertz comme un développement de la peinture. La peinture est le point de départ et non les moyens. L’essence de la peinture est pour Dihaj la recherche de nouvelles possibilités dans la peinture pour raconter quelque chose. Une quête qu’il reconnaît dans un certain nombre d’artistes contemporains avec lesquels il se sent parenté. Dans la recherche de l’essence de l’existence et de la liberté de la façonner par Moshekwa Langa, il trouve beaucoup de reconnaissance. Dihaj a également une grande appréciation pour le peintre Ina van Zyl. Dans son travail, elle prend toute la liberté en termes de couleur, de composition et d’expression et laisse de la place à l’interprétation au spectateur. En termes de représentation et d’utilisation de la couleur, sa série de peintures de plantes, de graines, de fleurs et d’arbres aux couleurs terreuses de 2022 montre certainement des similitudes avec la série de peintures de Dihaj. Cependant, c’est la façon dont elle manie son pinceau qui, en tant que peintre, l’intéresse le plus aux profondeurs de son être.

L’opération

« Il n’y a pas de distinction entre mon travail et ma personne, c’est une »

Cette déclaration de Dihaj trahit déjà qu’il est presque évident que les expériences personnelles autour de sa période de chirurgie se reflètent dans son travail. Ses expériences percutantes à partir de cette époque marquent le début d’un langage visuel changeant et d’un nouveau thème. Ce que ces expériences intenses lui ont apporté est un sentiment profondément ressenti de vulnérabilité humaine et une fascination pour la science. La science pour laquelle il est infiniment reconnaissant parce qu’elle lui a sauvé la vie et pour laquelle il est très impressionné. Le mystère de l’existence humaine l’occupe intensément depuis qu’il a rampé à travers l’œil de l’aiguille. Il en est de même du phénomène du temps. Peu de temps après l’opération, il a été inconscient pendant quelques jours, mais détaché de l’heure de l’horloge, il a vécu cela une fois avec la connaissance comme juste pour un instant. Il soulève des questions philosophiques pour lui sur la signification du concept de temps, de l’expérience et de la conscience du temps. Tous ces grands thèmes trouvent leur chemin dans sa récente série de peinture.

La science et la nature ont un rôle prépondérant dans le travail de Dihaj. Dans ses peintures, ces deux sujets se rejoignent, le micro-organisme par rapport au cosmos étant central. En raison de la pandémie de coronavirus, un thème actuel. Au moment de sa chirurgie pulmonaire, il est devenu fasciné par les images médicales qui rendent le corps interne visible, y compris les photographies de son propre poumon. Il a également été saisi par la beauté étonnante du micromonde. Expériences visuelles impressionnantes et miraculeuses qu’il capture sur toile dans des réseaux dynamiques de formes organiques, de lignes et de structures dans des tons de terre d’humeur.

La grande chose à propos de l’œuvre de Dihaj est qu’il expose non seulement ses sources d’inspiration, mais en même temps évoque tant d’associations différentes. À propos de ses performances reconnaissables, Dihaj dit: «Mes œuvres sont abstraites, mais toute écriture manuscrite est figurative.» Les performances de remplissage d’image ressemblent à une flore luxuriante à première vue avec des détails tels que des boutons floraux, des veines de feuilles, des étamines, des tiges et des branches. Ils rappellent les dessins de la nature surinamaise de la naturaliste et artiste botanique Maria Sibylla Merian dans son livre Metamorphosis Insectorum Surinamensium de 1705. Au loin, ils rappellent également les compositions de fleurs semi-abstraites de Piet Mondriaan et les peintures de fleurs excentriques d’Erik Andriesse. Andriesse était comme Dihaj admirateur de Lüpertz. Dans les années 70 et 80, Andriesse faisait partie d’une génération d’artistes qui se sont recentrés pleins d’énergie sur la peinture. Il considérait la nature comme sa plus grande école, qui se reflète dans la puissance vive de son travail. Une dynamique que l’on peut voir dans le travail de Dihaj. Certains motifs sur les peintures de Dihaj ont beaucoup de chemin loin des parties du corps humain interne: organes, tissus, veines, voies nerveuses. Des associations fortes sont également disponibles avec des images du micromonde. Des micro-organismes extrêmement élargis comme virus et bactéries dans toute leur couleur et leur splendeur de forme. Un lien visuel a été rapidement réalisé avec les dedessins de 17 siècles de micro-êtres observés par un microscope que le microscopiste Antoni van Leeuwenhoek a réalisés et réalisés par des artistes.

L’art et la science sont inextricablement liés depuis la Renaissance italienne. Les artistes ont fait des images du corps ouvert, de sorte que les connaissances anatomiques dese sont développées rapidement à partir du XIVe siècle. Des dessins anatomiques et des images du corps humain intérieur ont toujours soulevé des questions théologiques et philosophiques concernant notre perception de notre corps, notre physicalité et qui et ce que nous sommes en tant qu’êtres humains. Déclenché par ses expériences médicales, ce sont aussi des questions que Dihaj se pose. Voir son corps intérieur, son propre intérieur vivant, dans des photographies médicales à l’extérieur de lui-même, était pour lui une sensation intrigante. Il touche à un autre sujet important dans son travail: l’équilibre entre le moi et l’autre. Par exemple, la relation entre le moi et l’autre à travers ses expériences médicales prend forme dans les deux perspectives différentes à partir desquelles les photos de son poumon sont vues. D’un côté du point de vue du médecin, l’autre, qu’elle voit avec un regard médical. Par contre, de lui-même en tant qu’artiste, le moi, qui regarde les photos d’un œil artistique. Dans ses peintures, la relation entre le moi et l’autre s’exprime dans l’intérieur délimité sur la toile qui se trouve simultanément en dehors du corps et que le spectateur regarde: moi et l’autre, les frontières entre le corps et le monde extérieur.

Le contraste récurrent entre les formes organiques et géométriques est intéressant qui crée une certaine tension dans l’œuvre. Dans ce contexte, vous pourriez comprendre cela comme une synthèse entre la nature et la science, entre le sentiment irrationnel et l’intellect rationnel. Il caractérise l’art de Dihaj dans lequel une profonde admiration du pouvoir de la connaissance – qui a de nombreux visages et n’est pas lié à la place – se réunit avec des émotions vécues pendant sa période de chirurgie et ses expériences mystiques en Afrique.

Le mystère de l’existence

« Je suis né dans la sphère du mystère »

Dihaj se place dans la tradition de la peinture d’Europe du Nord et des Pays-Bas. La question de savoir comment il en vient à sa palette de couleurs d’humeur ouvre une porte d’entrée vers un autre monde. Historiquement, les couleurs font référence à des œuvres classiques pour lui – pensez à Rembrandt et Vermeer. La peinture hollandaise l’inspire par sa sobriété et sa beauté cachée pour lesquelles vous, en tant que spectateur, devez faire de votre mieux, explique-t-il. Par exemple, il voit aussi cette retenue et cette beauté cachée dans l’œuvre de Mondrian. Mais en plus de l’influence des nuances terreuses des maîtres hollandais, il y a indéniablement une influence par les couleurs d’un autre monde. Ce monde est l’Afrique, le continent qui a façonné Dihaj si profondément à travers son enfance et ses expériences de voyage. Ses couleurs terreuses reflètent les riches nuances du paysage africain. Dans un sens universel, les couleurs de la terre reflètent sa connexion avec la nature, avec le sol sous ses pieds dont il ressent toujours l’énergie d’une manière différente partout dans le monde. Dans la ville généralement plus rationnelle que dans la nature. La nature elle-même ne l’intéresse pas, mais l’interaction entre l’homme et la nature. La puissance du sol est une source d’inspiration constante. Le terrain est pour lui une métaphore de l’énergie, du mystère, de la magie. Peut-être que cette connotation spirituelle est la signification la plus importante qu’il attribue à sa palette de couleurs.

Les tonalités de la terre représentent pour lui un monde différent de celui tangible. Avec ses couleurs sourdes, Dihaj soulève l’énigmatique que ce qu’il ne sait pas mais est présent. Il parle de pouvoirs surnaturels et se réfère ainsi à ses expériences en Afrique qui sont imprégnées de mystère. Avec ses couleurs de terre d’humeur, Dihaj nous emmène dans un monde derrière la réalité visible. Il ajoute une dimension spirituelle à son travail. Ainsi, dans son utilisation de la couleur, la fascinante contradiction entre la science fondée sur les faits et la spiritualité, entre la raison et l’émotion, entre le monde matériel et intangible se manifeste également.

Dihaj peut s’émerveiller de tous les tableaux qu’il a réalisés quand il les voit ensemble. C’est comme s’ils avaient été peints par différentes identités de la sienne. Comme si les œuvres extérieures à lui se présentaient et qu’il était envoyé par un pouvoir supérieur. La pensée du tableau Höhere Wesen befahlen: le serveur droit Ecke schwarz grinding! de Polke de 1969 se profile. En d’autres termes, comme cela est écrit par rapport à cette œuvre de Polke: «L’art du bien peindre est difficile à réaliser. Par conséquent, que quiconque ne se considère pas capable, n’essaie pas. Car cela doit venir des inspirations supérieures. » Les puissances supérieures de Polke pourraient être considérées comme les forces surnaturelles à Dihaj. Après tout, c’est la chose inconnaissable qui se cache derrière le visible, à travers laquelle Dihaj est saisi et guidé dans ses ambitions artistiques. C’est le mystère de l’existence qui le confronte à de nombreuses questions intérieures au cours de son processus de création. Ces questions l’emmènent quelque part. La réponse n’a aucune importance pour lui.

Novembre 2023,
Ingrid Braam et Roel Hijink

À propos des auteurs

Ingrid Braam

Ingrid Braam est une historienne de l’art et, en tant que chercheuse et auteure indépendante, se concentre sur l’art contemporain. Inspirée par ses origines surinamaises, son attention particulière est portée au travail d’artistes ayant un parcours surinamais/caraïbe. Elle s’intéresse particulièrement à la façon dont ces artistes dépeignent leur patrimoine culturel dans leur travail. Elle a écrit à partir de 2013 sur le travail d’artistes d’origine surinamais. Elle est également apparue sur ce sujet dans divers médias du Suriname (revue d’État TV, radio, journal d’État).

Roel Hijink

Roel Hijink est un historien de l’art. En tant que chercheur indépendant et auteur, il est impliqué dans l’art contemporain. Il se concentre en particulier sur la façon dont le patrimoine tangible et immatériel de l’esclavage et la Seconde Guerre mondiale se reflètent dans les arts visuels. Ce faisant, il se concentre spécifiquement sur les monuments qui ont été érigés à cette fin, y compris les rituels commémoratifs qui l’accompagnent.